Palacio Episcopal de Segovia

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Compromiso con su experiencia

El Palacio Episcopal de Segovia no es solo un monumento histórico, sino también un centro cultural que abre sus puertas a los visitantes con una rica oferta de actividades. Con más de 300 años de historia, este edificio icónico ha sido testigo de numerosos eventos y ha sido un lugar importante en la vida cultural de Segovia.

Ya esté planeando una visita, o interesado en organizar un evento especial en este entorno único, estamos dispuestos a colaborar con usted en la planificación y ejecución de su evento. Nuestras instalaciones ofrecen una ventana a la historia y cultura de Segovia, siendo un lugar ideal para eventos educativos, culturales y sociales. No importa cuál sea su motivo para visitarnos, queremos asegurarnos de que tenga toda la información de contacto del Palacio Episcopal de Segovia. Así podrá hacerlo de manera eficiente y satisfactoria. Estamos comprometidos en brindarle la mejor experiencia posible durante su visita.

Bienvenido al Palacio Episcopal de Segovia

Concierto navideño en el patio del Palacio Episcopal con luces y decoraciones festivas.

Iluminación de Navidad

¡Únete a la magia de la temporada! El Palacio Episcopal cuenta con iluminación especial de Navidad y con horario ampliado de apertura 🎄✨

09:30 – 20:00

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Vista completa del retrato barroco de Juan de Briviesca, obra de Jerónimo López Polanco, en el Palacio Episcopal de Segovia
Detalle de la inscripción inferior del retrato de Juan de Briviesca, pintado por Jerónimo López Polanco, con texto añadido en 1716
Retrato barroco de Juan de Briviesca, obra de Jerónimo López Polanco, siglo XVII, en el Palacio Episcopal de Segovia
Grabado de Juan de Briviesca realizado por Marcos Orozco para el libro "Vida del Venerable sacerdote Juan de Briviesca". La imagen muestra al sacerdote con un crucifijo en la mano, destacando su devoción y vida religiosa.

Retrato de Juan de Briviesca

Autor: Jerónimo López Polanco
s.XVII
Óleo sobre tabla

Juan de Briviesca (1585-1629) fue un sacerdote conocido por su dedicación a la fe y vida austera. Conocemos muchos detalles de su vida por la obra «Vida del Venerable sacerdote Juan de Briviesca«, escrita por su amigo Luis Vázquez.

Este retrato fue realizado por Jerónimo López Polanco en 1619, cuando Briviesca tenía 34 años. Puede encuadrarse en el barroco temprano español, caracterizado por claroscuros y gran atención al detalle. Aquí se captura tanto la apariencia física como la profundidad espiritual del personaje. El texto inferior fue añadido en 1716 y ofrece una breve biografía del retratado.

Si quieres saber más sobre esta obra: Pulsa aquí

Jarrón de opalina de estilo imperio, segunda mitad del siglo XX, decorado con motivos dorados

Jarrón de opalina

Escuela espñaola
Segunda mitad del s.XX

Este jarrón de opalina, creado en la segunda mitad del siglo XX, está inspirado en el estilo imperio. Este estilo se originó a principios del siglo XIX durante el reinado de Napoleón Bonaparte y se caracteriza por su grandiosidad y el uso de elementos decorativos clásicos como guirnaldas, coronas de laurel y estrellas, que simbolizan poder y gloria.
Aunque, este jarrón es una creación del siglo XX, emula con precisión la estética y el lujo característicos del estilo imperio original. Con su gemelo, esta pareja refuerza su presencia y simetría en la decoración, aumentando el atractivo visual de la sala donde su colocaran.

Lámpara de petróleo española del primer tercio del siglo XX con base de hierro forjado y diseño ornamental

Lámpara de petróleo

Escuela espñaola
Primera mitad del s.XX

Esta lámpara de petróleo es una muestra representativa de la artesanía española del primer tercio del siglo XX, un periodo en el que la iluminación con petróleo todavía era común antes de la generalización de la electricidad en todos los hogares. Las lámparas de petróleo no solo eran objetos utilitarios, sino también piezas decorativas que reflejaban el estilo y la elegancia de la época.  
Los detalles ornamentales reflejan las influencias estilísticas de la época, posiblemente el Art Nouveau o el Historicismo, estilos que prevalecieron en las artes decorativas del periodo.

Tapiz del siglo XVIII basado en La Elevación de la Cruz de Rubens, expuesto en el Palacio Episcopal de Segovia

Tapiz "La Elevación de la Cruz"

Autor: Pedro Pablo Rubens
Manufactura: Jean-Baptiste Vermillion
s.XVIII

Esta obra textil recrea el tríptico de Pedro Pablo Rubens, La Elevación de la Cruz, conservado en la Catedral de Nuestra Señora en Bruselas. El tapiz aprovecha el formato tríptico para representar un momento clave de la Pasión de Cristo, capturando fielmente la esencia emocional y artística de la pintura de Rubens.

Jean-Baptiste Vermillion, conocido también como De Lana, destacó como un tejedor relevante en Bruselas durante el siglo XVIII. Tras tomar el control del taller de Jeroen Le Clerc en 1722, obtuvo privilegios significativos que reforzaron su prestigio dentro del ámbito textil. Fue nombrado decano de su gremio en 1726, y su influencia se mantuvo a lo largo de los años, a pesar de cerrar su taller en Bruselas en 1732 y sus intentos posteriores de establecer otro en Huy hasta 1741.

Copia del cuadro Virgen con el Niño de Tiziano, siglo XVI, en el Palacio Episcopal de Segovia

Virgen con el niño

s.XVI
Óleo sobre tabla

Copia del cuadro «La Virgen y el Niño en el paisaje vespertino» de Tiziano. El original fue pintado en Venecia entre 1550 y 1560 por orden del rey Felipe II. Estuvo mucho tiempo conservado en la sacristía del Escorial . Actualmente se exhibe en la galería Alte Pinakothek de Múnich .

La composición recuerda a las composiciones de Raffaello, pero el paisaje tranquilo y el cielo son típico de la pintura veneciana. Un estilo que también influirá a El Greco. Se trata de una de las obras más directas y cautivadoras del último período del pintor. 

Cristo crucificado en el centro del Calvario, rodeado por la Virgen María, María Magdalena y San Juan Evangelista. Obra renacentista atribuida a Jan van Scorel, óleo sobre tabla, siglo XVI.
Detalle de la pintura de la crucifixión de Jesús, con un enfoque en María Magdalena y una descripción sobre su papel
Detalle de la Virgen María en el Calvario, pintura renacentista del siglo XVI de Jan van Scorel.
Detalle de San Juan Evangelista en el Calvario, obra de Jan van Scorel, pintura renacentista del siglo XVI.
Detalle de María Salomé en el Calvario, obra renacentista atribuida a Jan van Scorel, óleo sobre tabla del siglo XVI.
Detalle de la figura de Nicodemo en el óleo sobre tabla titulado Calvario de Jan van Scorel, siglo XVI, perteneciente al Palacio Episcopal de Segovia.
Detalle de la figura de José de Arimatea en el óleo sobre tabla titulado Calvario de Jan van Scorel, siglo XVI, perteneciente al Palacio Episcopal de Segovia.
Soldados romanos presentes en la crucifixión de Jesús, detalle del Calvario atribuido a Jan van Scorel, óleo sobre tabla del siglo XVI.

Calvario

Autor: Jan van Scorel
s.XVI
Óleo sobre tabla

El cuadro «El Calvario», atribuido a Jan van Scorel y datado en el siglo XVI, es una obra de gran intensidad emocional y detallismo. En esta tabla se representa la crucifixión de Cristo con una composición equilibrada. Las figuras de la Virgen María, María Magdalena y San Juan muestran un meticuloso trabajo en sus vestimentas y expresiones, resaltando la habilidad de Van Scorel en capturar la humanidad del momento. El uso del color y la luz contribuye a enfatizar la solemnidad de la escena, mientras que el fondo enmarca la escena, demostrando la influencia del arte renacentista en esta obra.

Pintura del Santo Entierro, óleo sobre tabla del siglo XVI, en el Palacio Episcopal de Segovia

Santo Entierro

s.XVI
Óleo sobre tabla

La pintura representa la escena del entierro de Cristo, con los personajes dispuestos alrededor de su cuerpo en un momento de profundo dolor y reverencia. Destacan las expresiones faciales y los gestos de los personajes, así como el meticuloso trabajo en las vestimentas. El uso del color y la luz resalta el dramatismo de la escena, mientras que el fondo con elementos arquitectónicos y naturales enmarca la composición con gran precisión, demostrando la maestría del autor anónimo.

Pintura gótica de la Ascensión de Cristo con apóstoles y la Virgen María, obra del Maestro de los Claveles en el Palacio Episcopal de Segovia
Pintura hispanoflamenca de los apóstoles y la Virgen en la Ascensión de Cristo, atribuida al Maestro de los Claveles
Pintura hispanoflamenca de los apóstoles y la Virgen en la Ascensión de Cristo, atribuida al Maestro de los Claveles
Detalle del paisaje con fortalezas y caminos en la tabla de la Ascensión del Maestro de los Claveles, Palacio Episcopal de Segovia
Figura de Cristo en la escena de la Ascensión, pintura hispanoflamenca del Maestro de los Claveles, Palacio Episcopal de Segovia
Ciudades amuralladas y paisaje urbano idealizado en la tabla de la Ascensión del Maestro de los Claveles, Palacio Episcopal de Segovia

La Ascensión

s.XV
Maestro de los Claveles
Óleo y temple sobre tabla

El Maestro de los Claveles, recibe su nombre por la flor que suele estar presente en sus obras. Vinculado al taller del Maestro de Ávila, sus tablas son ejemplos de la síntesis hispanoflamenca del siglo XV en Castilla, caracterizadas por el horror vacui, el detallismo de los brocados, y fondos con castillos y escenas urbanas. En su obra destaca la técnica cuidada y el dibujo preciso.

Si quieres saber más sobre esta obra, puedes leer nuestras entradas específicas sobre:

Predela con apóstoles del siglo XVI, óleo sobre tabla, en el Palacio Episcopal de Segovia

Predela de los apóstoles

s.XVI
Óleo sobre tabla

La predela es una sección horizontal que se ubica en la parte inferior de un retablo. Habitualmente se encuentra dividida en cajas o «casamentos»; y se utiliza para complementar las escenas del retablo principal con imágenes de un formato más pequeño. 

En esta predela se representa, de izquierda a derecha, a: San Andrés, San Bartolomé, San Pedro, San Pablo, Santiago y San Juan. De este último destaca la iconografía elegida (copa de la que emerge un dragón), la cual fue prohibida por el Concilio de Trento. Un detalle que, no solo confirma la datación de la obra, sino que también resalta su importancia en el registro histórico de la iconografía religiosa.

Corona de la Virgen de la Fuencisla del siglo XX, diseñada por Florentino Trapero y elaborada por los orfebres Otero y Riopérez
Vista lateral de la Corona de la Virgen de la Fuencisla, siglo XVI, mostrando detalles escultóricos y decorativos
Detalle superior de la Corona de la Virgen de la Fuencisla, siglo XVI, con joya central y adornos circundantes

Corona de la Virgen de la Fuencisla

s.XVI
Diseño: Florentino Trapero
Orfebre: Otero y Riopérez

La Corona de Nuestra Señora de la Fuencisla es un símbolo de la realeza y santidad de la Virgen María. Su uso en imágenes marianas tiene sus raíces en la práctica de coronar figuras sagradas como muestra de veneración. Una tradición que se consolida en la Edad Media y el Renacimiento, cuando se busca resaltar la importancia y el carácter divino de las figuras religiosas. En la actualidad, continúa utilizándose, junto con la del Niño, para adornar a la Virgen durante la Semana Santa en Segovia

Cruz Procesional en plata sobredorada atribuida a Antonio de Oquendo.
Primer plano del Cristo en la Cruz Procesional en plata sobredorada atribuida a Antonio de Oquendo
Imagen detallada de la macolla de la Cruz Procesional en plata sobredorada atribuida a Antonio de Oquendo, mostrando su rica ornamentación.

Cruz procesional

s.XVI
Orfebre: Antonio Oquendo

La cruz procesional simboliza la redención, el sacrificio de Cristo y su victoria sobre la muerte. . A nivel estructural tiene 3 elementos: vástago, macolla o nudo, y cruz. Puede denominarse también CRUZ ALZADA, que hace referencia a las cruces procesionales que se sujetan con una vara.

Rostrillo

Rostrillo

s.XVIII
Orfebre: Lorenzo Cantero

Adorno que se coloca alrededor de la cara de las imágenes de la Virgen. El origen del rostrillo se encuentra en el complemento que usaban las mujeres para enmarcar su rostro y tapar el pelo. En el s.XVI se asocia a las viudas. Posteriormente, la escultura religiosa adopta este adorno para mostrar el luto de la Virgen por la muerte de su Hijo.

Esta pieza procede de la iglesia de San Miguel Arcángel (Segovia).

Naveta del siglo XVI, obra del orfebre Diego de Olmedo, utilizada en la liturgia católica, con forma de barco
Naveta de plata con forma de barco y tapa abierta, utilizada para contener incienso en ceremonias litúrgicas
Naveta de plata fabricada por Antonio Ruiz 'El Mozo' en 1828, con cuchara utilizada para introducir y extraer incienso
Incensario de plata de la segunda mitad del siglo XVII, utilizado para quemar incienso almacenado en la naveta
Naveta de plata con tapa abierta, fabricada por Pedro Garrido en el último cuarto del siglo XVII, con forma de barco
Vista cenital de una naveta de plata con tapa abierta, fabricada por Pedro Garrido en el último cuarto del siglo XVII, mostrando detalles ornamentales
Vista parcial lateral de una naveta de plata con tapa abierta, fabricada por Diego de Olmedo en el tercer tercio del siglo XVI
Naveta de plata de Diego de Olmedo, siglo XVI, utilizada en ceremonias litúrgicas para guardar incienso. Iglesia de Santo Tomás de Canterbury.

Naveta

s.XVI
Orfebre: Diego de Olmedo

Habitualmente se colocan en el altar, cerca del sagrario o del lugar donde se conserva el Santísimo Sacramento. Su forma de barco en la liturgia católica está motivada por su simbolismo. Representan la Iglesia como una embarcación que guía a los fieles hacia la salvación. Durante la Eucaristía, se utilizan junto con el incensario para quemar incienso, simbolizando la oración ascendiendo al cielo.

Cruz procesional de bronce del siglo XIV con grabados religiosos y florales, destacando la Virgen María en el centro, expuesta en el Palacio Episcopal de Segovia.
Cruz procesional de bronce del siglo XIV con grabados religiosos y florales, destacando la Virgen María en el centro, expuesta en el Palacio Episcopal de Segovia.
Vista lateral de la cruz procesional de bronce del siglo XIV con figura de Cristo crucificado, expuesta en el Palacio Episcopal de Segovia.

Cruz procesional

s.XIV

Destinada a presidir las ceremonias más importantes y encabeza procesiones, entierros, así como las diversas celebraciones en que participa la comunidad católica. Se inciensa por ser signo de Salvación. Esta pieza posee alma de madera sobre la que se adhieren las chapas de plata, blanca o dorada, mediante clavos. A nivel estructural tiene 3 elementos: vástago, macolla o nudo, y cruz.

Relieve en alabastro de la Asunción de la Virgen, escuela inglesa del siglo XV, conservado en el Palacio Episcopal de Segovia
elieve de la Asunción de la Virgen con ángeles, destacando la explicación sobre el momento en que María fue llevada al cielo.
Relieve de la Asunción de la Virgen con detalles de ángeles y gestos de las manos que simbolizan humildad y divinidad.
Relieve de la Asunción de la Virgen con foco en la corona y aureola, símbolos de santidad y pureza.
Relieve completo de la Asunción de la Virgen, realizado en alabastro polícromo, siglo XV, anónimo inglés.

Asunción de la Virgen

s.XIII

Altorrelieve policromado en alabastro datado del siglo XV perteneciente a la escuela inglesa. En él se representa la Asunción de la Virgen. María es elevada al cielo por ángeles, lo que simboliza su santidad y conexión celestial. La posición de sus manos en oración, denota humildad y aceptación de la voluntad divina. La corona enfatizan su realeza y pureza; y la aureola, su santidad y presencia divina.

Escultura en alabastro de San Mateo, siglo XV, obra de Sebastián de Almonacid, con evangelio y ángel, símbolo de su autoría sagrada.
Primer plano del ángel que acompaña a San Mateo en la escultura de alabastro realizada por Sebastián de Almonacid, siglo XV.

San Mateo

s.XV

Esta escultura en alabastro de San Mateo, uno de los cuatro evangelistas, es obra de Sebastián de Almonacid del siglo XV.
 
En ella se observa a Mateo con dos de sus identificadores principales: el libro del Evangelio, y un ángel, su elemento antropomorfo. Almonacid, maestro de la transición gótico-renacentista, plasmó en la pieza la sobriedad y la humanidad propias del realismo nórdico. 
Escultura barroca del arcángel San Gabriel, siglo XVIII, conservada en el Palacio Episcopal de Segovia

Arcángel San Gabriel

s.XVIII

La escultura del Arcángel San Gabriel, tallada en madera y policromada en el siglo XVIII, responde al estilo barroco castellano, caracterizado por su expresividad y dinamismo. Representado como mensajero de Dios, Gabriel simboliza la revelación divina, la comunicación espiritual y la esperanza. Su gesto ascendente y la presencia de querubines refuerzan su carácter celestial.

Esta imagen no solo ilustra un pasaje bíblico, sino que también buscaba conmover e instruir al espectador, inspirando la escucha interior y la fe. Su función era claramente devocional, formando parte del discurso visual que guiaba la religiosidad popular en iglesias y procesiones

Capitel románico del siglo XIII en piedra caliza con escenas de la Anunciación, la Tentación de Jesús y San Pedro con las llaves, expuesto en el Palacio Episcopal de Segovia
Capitel románico del siglo XIII tallado en piedra con la escena de la Anunciación y un evangelista, conservado en el Palacio Episcopal de Segovia
Capitel medieval del siglo XIII en piedra con representación de la Tentación de Jesús y San Pedro con las llaves, del Palacio Episcopal de Segovia

Capitel

s.XIII

Capitel del siglo XIII, tallado en piedra caliza y de autoría anónima, que ilustra tres episodios clave del cristianismo. Un hecho que sitúa esta pieza como ejemplo de la narrativa visual medieval y el simbolismo religioso de la época.

  1. La Anunciación, en la que destaca el arcángel Gabriel mientras revela a María su destino como madre del Mesías.
  2. Tentación de Jesús, cuando rechaza a Satanás en el desierto.
  3. San Pedro portando las llaves celestiales, un presagiando de su liderazgo en la Iglesia. 
Capitel románico del siglo XIII con arpías y aves del paraíso, conservado en el Palacio Episcopal de Segovia
Detalle con señalización de la cabeza humana en un capitel románico con arpías, Palacio Episcopal de Segovia
Relieve de arpía con detalle de la capucha, utilizada para asociarlas con los infieles.
Relieve de arpía mostrando su cuerpo de ave, simbolizando su naturaleza salvaje.
Relieve de arpía con detalle de pezuñas de caprino, simbolizando su asociación con lo diabólico.
Relieve de arpía con detalle de la cola de serpiente o escorpión, elemento que marca su carácter terrestre.
Relieve completo de arpías, simbolizando la lujuria y los placeres mundanos según la iconografía medieval.
Relieve de arpías con detalles sobre su simbolismo como representaciones de la lujuria y el mal en la iconografía cristiana.

Capitel

s.XIII

Adornado con arpías y aves del paraíso. Las primeras simbolizan la lujuria y los vicios terrenales según la moralidad cristiana medieval.

A nivel iconográfico combina rostro humano, cuerpo de ave, pezuñas de caprino y cola de serpiente. Esta última la diferencia de las sirenas y refleja la influencia de la iconografía clásica. La capucha remite a los infieles, en particular a los musulmanes, en el contexto de las cruzadas.

Se trata de una pieza que testimonia la didáctica visual de la época y que instruía sobre el pecado y la redención.

Silla de caderas española del primer tercio del siglo XX con detalles tallados y respaldo decorado

Silla de caderas

Escuela española
Primer tercio del s.XX

También conocida como florentina, dantesca o jamuga. Se trata de un asiento plegable de doble tijera, que surge en Italia durante la Baja Edad Media, como resultado de la evolución de la silla de tijera. Sin embargo, esta tipología también es común en otros países europeos. En algunos de ellos fueron asientos de honor hasta el siglo XVII.
Progresivamente pierden importancia en favor de las sillas de brazos, pero durante el siglo XIX y XX vuelven a producirse por considerarse una producción típica española. Este ejemplar imita las originales de época renacentista y posee una gemela en las colecciones del Palacio Episcopal.

Armario bajo francés del siglo XVIII con puertas decoradas con placas de porcelana pintadas y detalles en bronce dorado

Entredós

Estilo imperial
Segunda mitad del s.XVIII

El origen de este mueble se sitúa en Francia en el siglo XVIII. Se trata de un armario bajo con puertas al frente y, generalmente, de poco fondo. Su nombre procede de su ubicación más habitual, los paños de pared entre ventanas. Solían producirse en parejas y tuvo gran aceptación durante el siglo XIX.
En el centro de las puertas de este entredós hay dos escenas pintadas sobre sendas placas de porcelana. En ellas se representan arquitecturas de carácter popular. El resto del frente presenta diferentes motivos en bronce dorado a fuego.

Épergne español del siglo XIX-XX con base metálica, figuras de leones alados y un cuenco decorativo central

Épergne

Escuela española
s.XIX-XX

Desde el siglo XVII se disponen en la mesa diferentes elementos que progresivamente han adoptado una función meramente decorativa. Entre ellos se encuentran los centros de mesa, el frutero o el conocido como “épergne”. Este último fue introducido desde Francia en el s.XVIII y solía utilizarse para contener cualquier tipo de comida o postre. Las argollas situadas bajo los leones alados de sus extremos podrían indicar que, inicialmente, estaba configurado por otros elementos.

Capitel

s.XIII

Decorado con arpías y aves del paraíso. Las primeras simbolizan la lujuria y los vicios terrenales en la moralidad cristiana medieval. A nivel iconográfico combinan rostro humano, cuerpo de ave, pezuñas de caprino y cola de serpiente. Este último atributo las diferencia de las sirenas y refleja la influencia de la iconografía clásica. La capucha remite a los infieles, en particular a los musulmanes, en el contexto de las Cruzadas. Se trata de una pieza que testimonia la didáctica visual medieval, que instruía sobre el pecado y la redención.

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